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El procesamiento (algunas personas lo llaman edición ) es probablemente el último oficio de la fotografía sobreviviente, lo que hace que sea aún más sorprendente que no se haga de manera artesanal.

Bueno, hay dos afirmaciones extremas en una, así que será mejor que me justifique.

Primero la idea del procesamiento como artesanía (y uno de los últimos que queda en eso). Lo digital ha eliminado las muchas habilidades que a menudo se necesitaban para grabar películas, por una razón extremadamente básica: los fotógrafos tenían que predecir cómo se vería la imagen. No hubo vista previa ni vista posterior inmediata. Y las cámaras grandes se hicieron con artesanía y se necesitaban habilidades artesanales para funcionar bien. Hubo inclinaciones, cambios, filtros para pegar detrás del lente, todo tipo de cosas arcanas que continuaron en el revelado de la película (a veces por más tiempo, a veces por menos para controlar el contraste). Continuó, pero este no es un artículo sobre la nostalgia fotográfica. Es muy bueno que el cambio a digital, la automatización electrónica avanzada y la optimización mecánica simplemente hayan hecho que el funcionamiento de una cámara sea más fácil y más eficiente, y eso es algo bueno.

Pero, ¿por qué se procesa una artesanía? Por dos razones.

La primera es que un oficio es una habilidad artesanal, que con la enseñanza, la práctica y la experiencia, se puede mejorar a un nivel de excelencia. De hecho, necesita esfuerzo y tiempo para ser excelente. No es un conjunto de habilidades listo para usar.

El segundo es diferenciarlo de ser creativo. La artesanía no es creativa. No es donde inventas cosas y dejas volar tu imaginación. Es donde perfeccionas las cosas, las perfeccionas. Y ese es exactamente el trabajo de procesamiento. La palabra creatividad se usa con demasiada frecuencia solo para promover cosas que no lo son, como un filtro digital inteligente. Si desea utilizar la postproducción (o el posprocesamiento si prefiere esa expresión) de manera creativa, entonces está en el mundo diferente de la ilustración fotográfica. Está bien, pero no es fotografía, se trata de capturar.

Sin embargo, el procesamiento se ha vuelto MÁS importante que nunca, porque ahora lo hacemos nosotros mismos en lugar de entregar la película a un laboratorio. Además, las herramientas de procesamiento mejoran cada vez más. O más bien, cada vez más, ¡que no necesariamente es lo mismo! El archivo Raw que dispara puede contener mucha más información de sombras y resaltado que se puede mostrar en una pantalla o en una impresión, y los 'motores' modernos de procesamiento en bruto como el ACR de Adobe pueden extraer detalles y cualidades notables de un archivo. Lightroom, Photoshop, DxO Optics, Capture One todos tienen herramientas similares, y sí, hay mucho que aprender y mucho que puedes hacer. Esto me lleva a mi segunda afirmación, que hay mucho procesamiento deficiente. La variedad de lo que puede hacer con el software desanima a muchas personas, lo que resulta en un procesamiento inadecuado. Muchas personas simplemente no saben cómo aprovechar al máximo lo que está en el archivo Raw, y algunas de ellas prefieren no averiguarlo porque es nerd y técnico y no para lo que se inscribieron cuando compraron una cámara. En el otro extremo de la escala, sin embargo, hay personas para quienes una caja de software llena de trucos es una invitación a jugar. Esto se ve alentado por la clase de tutorial de procesamiento que dice "Oye, ¿sabías que puedes hacer este efecto asombroso en Photoshop o lo que sea?" El resultado, más dramáticamente malo que la falla en el proceso, ha terminado.-procesamiento, típicamente a través de la sobresaturación y la invención de doble filo del mapeo de tonos. Aquí y el próximo mes, quiero mostrarles cómo evitarlos y cómo hacer que el procesamiento funcione de manera sensata para sus imágenes.

No se preocupe por el software

Esto es importante. El software de procesamiento es una industria y, al igual que la otra industria a la que todos compramos, la fabricación de cámaras es competitiva y está llena de reclamos. También es difícil de entender en profundidad. Verá muchas opiniones sólidas en Internet sobre qué software es mejor, pero la mayoría no está completamente informada. Cuando alguien escribe eso. por ejemplo, Capture One o lo que sea es mejor que Lightroom o lo que sea, y que la reproducción del color es "simplemente mejor", lo que casi siempre quieren decir es que no han ido más allá de los valores predeterminados.

Si abre un archivo Raw en cualquier software, antes de tocar los controles deslizantes, se le presenta con una apariencia determinada. Tiene que ser así, porque un archivo Raw original es casi invisible (denso, plano y verdoso) y necesita que el convertidor Raw le haga algunas cosas básicas, incluido el des-mosaico (aplicando el mosaico de bloques de colores de la matriz de filtros de color en frontal del sensor en un mapa de color suave), aplicando el balance de blancos y una fuerte curva gamma.Además de esto, está la cantidad de nitidez que se debe aplicar, la reproducción del color, etc. Estos son los valores predeterminados, y están destinados a ser el punto de partida, la configuración básica que luego puede ajustar si lo desea. No los confunda con las posibilidades, con lo que realmente puede hacer. Algunos usuarios se vuelven muy partidistas sobre este tema; para obtener una opinión experta mesurada, consulte este artículo de Martin Evening. Básicamente, todos los principales competidores de software hacen muy bien su trabajo. Mis ejemplos usan ACR (Adobe Camera Raw), que es lo que Photoshop le presenta cuando abre un archivo Raw. Lightroom tiene más o menos el mismo motor. Capture One, DxO Optics y el resto hacen lo mismo con diferentes valores predeterminados, diferentes interfaces y controles deslizantes / herramientas que tienen diferencias relativamente pequeñas en cómo se aplican.

Calibra tu monitor, o ...

... o al menos hacer una calibración del globo ocular, como el Asistente de calibrador de pantalla en una Mac ...

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Los monitores difieren, y lo que ve en el suyo no necesariamente se verá así en el de otra persona, o cuando se imprima. ¡El tiempo invertido en conseguir un espacio de trabajo confiable está bien invertido! Este es mi espacio de trabajo cuando estoy procesando. Utilizo un Eizo CG , y siempre lo he hecho, porque son los monitores más precisos, se auto calibran y son de 10 bits, es decir, mil millones de colores. Al mismo tiempo, reflejo la pantalla en una MacBook Pro para comparar, para ver cómo se verá la imagen para la mayoría de los espectadores: contrastada y con ese acabado brillante y tonto en la pantalla. Uso Photoshop y ACR porque me gusta el software que hace un trabajo a la vez. Ratón Logitech y una pequeña tableta Wacom ...

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Estándar industrial óptimo

¿Existen estándares de la industria en el procesamiento? ¿Mejores prácticas? Sí, ciertamente los hay, aunque no los encontrará fácilmente en un solo lugar. Donde se va a obtener un buen consejo, si alguna vez involucrarse profundamente en la edición de libros, es de cualquier compañía de pre-prensa, ya que manejar archivos de imágenes de todo tipo de fuentes y tienen que asegurarse de que son aptos para el repro. Incluso cuando muchos no lo son. El personal de pre impresión y los talleres de impresión digital también están al frente del procesamiento de imágenes y quieren coherencia. La pre impresión implica bastante más que una imagen bien procesada, pero realmente ayuda si ese es el punto de partida. A continuación, examinamos las pruebas de uno de mis libros en XYDigital en Londres. Ten en cuenta la iluminación controlada de una cabina de visualización con lámparas de color corregido ...

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Entonces, independientemente de las necesidades especiales de una imagen, que es lo que veremos a continuación, es útil saber cuáles son los estándares objetivos de la industria. Sigue el procedimiento básico a continuación y al menos garantizará una imagen competente. Piensa en ello como un punto de partida. Aquí no hay problemas de gusto y juicio personal, solo algunos estándares objetivos, los más importantes de los cuales son: -

  • Exposición promedio general
  • Equilibrio de color neutro
  • Detalle visible en luces y sombras
  • Conjunto de puntos en blanco y negro

Esta es una optimización básica y tenga en cuenta que NO es el mismo significado que optimizar la compresión, que también verá utilizada. Aquí hay un tutorial con una imagen de muestra...

Definición

La optimización significa esencialmente preparar un TIFF a partir de un archivo Raw según los estándares de la industria esperados, con un rango dinámico completo y las cualidades que un espectador típico esperaría y que parecen normales. Las cualidades incluyen brillo general, contraste, saturación de color y nitidez.

Tiene una importancia creciente a medida que los extremos de procesamiento se vuelven más posibles con el software más reciente. El sobre procesamiento y la falla en procesar adecuadamente son los dos males generalizados que corrige, y la optimización implica muchas evitaciones, es decir, no usar controles deslizantes de ajuste que superficialmente ofrecen efectos interesantes.

La optimización ignora las opciones creativas y estilísticas, por lo que no es necesariamente una forma de procesamiento garantizada. Más bien, es un punto de partida. Un ejemplo de esto es si ha filmado una escena con niebla o niebla. Establecer el punto negro normalmente no sería apropiado, porque si bien "embellecería" la imagen, perdería la delicada sensación de neblina en una y la sutileza de los colores y tonos en la otra.

Paso 1: evaluación

Una vez que haya abierto la imagen Raw, antes de realizar cualquier ajuste, deténte y considera dos cosas:

La evaluación general aquí es que las áreas de sombra media (es decir, la mayor parte de la imagen) podrían ser un poco más claras

 

 

Paso 2: perfil del lente

El software detectará la combinación de cámara y lente, por lo que al verificar esto se eliminan las viñetas y las distorsiones geométricas, que son comunes con todas los lentes de zoom. Adobe advierte que su corrección de color, que se ofrece como una casilla de verificación separada, es más efectiva para eliminar las franjas de color que los propios perfiles de los fabricantes de lentes, así que verifique esto siempre.

Comprueba tanto la pestaña Aberración cromática como la pestaña Correcciones de perfil

 

Paso 3: nitidez predeterminada

Solo hay dos posibles ocasiones para la nitidez: 1. para compensar solo un poco el ligero suavizado que crea la captura digital, y 2. una más agresiva justo antes de la visualización (impresión o visualización en pantalla). Realiza solo el #1 durante el procesamiento Raw; Se recomiendan los valores predeterminados de ACR que se muestran aquí: 25%, radio de 1 píxel, detalle del 25%, sin enmascaramiento. Algún otro software, como Capture One, tiene valores predeterminados más agresivos.

Configuración predeterminada de ACR

 

Paso 4: ajuste global

En preparación, asegúrate de que las casillas superior izquierda y derecha del histograma estén marcadas, de modo que cada una tenga un contorno blanco. Las sombras recortadas aparecerán en azul, las luces recortadas en rojo.

Marca las casillas pequeñas sobre el histograma

 

También ten en cuenta que los siguientes controles deslizantes son eficaces en lo que se proponen hacer, pero conllevan la penalización de una apariencia no tradicional (es decir, tienden a dar un aspecto ilustrativo en lugar de un aspecto fotográfico tradicional): Highlights, Shadows, Clarity. Estos tres utilizan algoritmos de mapeo de tonos locales.

 

Ten cuidado al usar estos tres controles deslizantes

 

  1. a) Balance de color

De forma predeterminada, apunta a que los neutrales obvios, como el metal gris, el hormigón, etc. sean neutros (esto significa que los valores RGB deben ser más o menos iguales entre sí). Si la luz tiene un tono obvio debido a la hora del día, como una luz solar cálida y baja o sombras azuladas en un día soleado, considere si desea que el color final tenga un ligero tono; este es tu gusto por completo. La temperatura del color es de rubor a naranja, mientras que el control deslizante inferior trabaja en el otro eje de color, de verde a rojo.

En este caso, había utilizado el balance de blancos automático para disparar y juzga que el color era ligeramente azulado.

 

Hacer rodar la herramienta de balance de blancos, un cuentagotas, sobre el tono más cercano a neutral (un casco) confirma esto

 

Al hacer clic en él, este se vuelve neutral, arrastrando los otros colores junto con él.

 

b) Exposición

Haz un juicio general. Siempre puedes volver a esto más tarde


Exposición aumentada en media parada

 

c) Destacados / Sombras / Contraste

Esta es mi técnica preferida, pero hay otras (ver Curvas a continuación). Reduzca los reflejos y aumenta las sombras en no más del 30% (más y corre el riesgo de un aspecto no fotográfico). El efecto de estos dos es aplanar la imagen, así que aumente el Contraste en consecuencia (quizás alrededor del 20%). En orden, uno a uno, esto es lo que pasa...

 

Primero, leve recuperación de reflejos

 

... seguido de una recuperación de sombras un poco más fuerte

 

... y luego aumenta el contraste para compensar el efecto de aplanamiento de tono medio de esos dos controles deslizantes

 

En resumen, este es el ajuste de 3 controles deslizantes que reduce ligeramente los reflejos, una especie de triángulo de configuraciones

 

d) Blancos y Negros

También conocido como establecer los puntos blancos y negros. Muchas personas lo olvidan a menudo, pero es importante si desea aprovechar al máximo la gama tonal. De hecho, está ampliando el rango para ajustarse a la escala. Sube o baja el control deslizante Blancos hasta justo debajo cuando aparecen las advertencias rojas para las luces recortadas. A continuación, baja (casi nunca tendrás que subir) el control deslizante Negros hasta justo encima cuando aparezcan las advertencias azules.

 

Primero baja los blancos para eliminar los cortes de mechas en el cabello. Tolerá una pequeña cantidad de recorte para evitar oscurecer demasiado la imagen.

 

Luego, baja los negros hasta justo por encima del punto donde aparecen las advertencias de recorte azul. Ten en cuenta que él histograma en la parte superior está completa y exactamente estirado hacia la izquierda y hacia la derecha.

 

Una alternativa c) anterior es utilizar Curvas. Esto es muy tradicional y le da control sobre las luces, las sombras y el contraste, todo cambiando la forma de una sola curva, como se muestra, pero necesita experiencia. La mayoría de las personas de preimpresión en mi experiencia utilizan esta herramienta. Funciona de una manera diferente a Highlights y Shadows, no necesariamente mejor o peor, solo diferente.

 

Aquí bloquea las sombras profundas y las luces brillantes, y luego eleva la curva ligeramente como se muestra

 

Procesamiento con propósito

Aquí quiero presentarles la idea de procesar con un propósito bien definido. Si graba Raw, el procesamiento digital es tan esencial como imprimir un negativo de película en un cuarto oscuro húmedo. Convierte los datos de imagen grabados por tu cámara en la mejor imagen visible posible. De manera profesional, no debe pensar en el procesamiento como una tarea aburrida o como una oportunidad para jugar. Para ser eficaz, el procesamiento debe seguir su filmación y las ideas que tenía en el momento de filmar. Nunca debería ser una actividad creativa. Si eso suena dogmático y controvertido, considere cuál es su medio creativo principal. Si te ves a ti mismo como fotógrafo, entonces la creatividad se concentra inevitablemente en el momento de la toma, la exposición. Es perfectamente legítimo, por supuesto, ampliar tu 'descripción de trabajo', y si te ves a ti mismo como un creador de imágenes por cualquier medio, entonces eres realmente un ilustrador fotográfico. Como ilustrador fotográfico, puede ser tan fantasioso e imaginativo como quieras, y aprovechar al máximo todas las posibilidades en Photoshop y otros programas de cambio de imagen, y sí, ser creativo durante el procesamiento. Pero si eres ante todo un fotógrafo, la cámara es donde reside la acción creativa. No es compatible intentar ser creativo en dos lugares, disparar y procesar. la cámara es donde reside la acción creativa. No es compatible intentar ser creativo en dos lugares, disparar y procesar. la cámara es donde reside la acción creativa. No es compatible intentar ser creativo en dos lugares, disparar y procesar.

 

Para los fotógrafos, el procesamiento es un oficio. Uno muy importante, y uno que puede tardar años en perfeccionarse. Pero sin embargo un oficio, subordinado a la fotografía actual.

 

El objetivo principal de la mayor parte del procesamiento es hacer justicia al archivo de imagen Raw. Esto contiene mucha más información tonal de la que se puede reproducir en una impresión o en una pantalla normal, por lo que la etapa de procesamiento Raw es tan importante, particularmente para imágenes 'difíciles', como aquellas con un rango dinámico muy alto. Para la mayoría de las imágenes, el valor predeterminado es simplemente optimizarlo como se indicó anteriormente, lo que significa preparar un TIFF a partir del archivo Raw de una manera que simplemente se vea como la mayoría de los espectadores esperarían que se vea.

Un paso adelante es aplicar más habilidad y más técnicas para aprovechar al máximo la imagen, de formas que pueden parecer pequeñas para el espectador casual pero que, desde un punto de vista profesional, mejoran o reducen diferentes áreas y/o temas dentro del marco. La imagen de abajo ha tenido un considerable trabajo de ajuste local, sin embargo, todavía parece 'normal'...

 

Así es como se veía antes de procesar...

 

Los cambios son importantes pero no enormemente dramáticos. A continuación se muestra una captura de pantalla compuesta del ajuste local: 4 filtros radiales, un filtro de graduación y un pincel. Mucho trabajo, pero como en cualquier oficio, ¡está en los detalles!

 

En el próximo artículo, continuaremos con 1. Incorporar el procesamiento en tu flujo de trabajo convirtiéndolo en una extensión de su filmación, 2. Decidir el aspecto que desea y 3. Usar herramientas de ajuste locales para una artesanía real en lugar de intentar hágalo de la manera más barata y fácil con los controles deslizantes de mapeo de tonos.

 

 

En una carrera de 40 años, el fotógrafo y autor de renombre internacional Michael Freeman se ha centrado en el reportaje documental de viajes y ha sido publicado en las principales publicaciones del mundo, incluidas Time-Life, GEO y una relación de 30 años con la revista Smithsonian. También es el principal autor mundial de libros de fotografía, gracias a su larga experiencia.
En total, ha publicado 133 libros, con 4 millones de ejemplares vendidos, incluidos 66 sobre el oficio de la fotografía, publicados en 27 idiomas. Con una maestría en geografía de la Universidad de Oxford, Freeman se dedicó primero a la publicidad antes de lanzar su carrera en fotografía editorial con un viaje por el Amazonas.

 

 

 

 

Fuente: https://www.manfrottoschoolofxcellence.com/2017/08/the-craft-of-processing/


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